L’antico Vicino Oriente

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Vicino Oriente Antico

Si ritiene che la storia della chitarra ha avuto inizio nel Vicino Oriente antico. Lì, gli archeologi hanno trovato strumenti e le rappresentazioni di loro che fungevano da punti di riferimento o punti di riferimento nel relativamente inesplorato territorio di inizio della chitarra.

Tra i manufatti scavati dalla Babilonia, i più rilevanti sono state le placche di argilla datati (1900-1800 aC). Questi hanno mostrato figure nude che suonano strumenti musicali, alcuni dei quali con una certa imitazione generale alla chitarra. Attento esame dello strumento sulla placca lo mostra di avere un distintamente corpo differenziato e collo. Il dorso è senza dubbio piatta; il modo in cui poggia contro il petto del prete preclude la possibilità del suo essere a forma di scodella. E ‘chiaro
che la mano destra pizzicare le corde. Il numero di stringhe purtroppo non è chiaro, ma su un’altra targa, almeno due stringhe sono mostrati sullo strumento. La prova di strumenti di chitarra-come è stato notato in Assiria, Susa (antica città a nord del Golfo Persico: capitale dell’impero persiano), e Luristan.

Egitto e Roma

Nei primi giorni, l’unico strumento a corde pizzicate in Egitto è stato l’arpa a forma di arco. Più tardi, uno strumento con il collo con tasti accuratamente segnato, probabilmente di budello, avvolto attorno al collo. Alla fine, alcune delle funzionalità e caratteristiche dovrebbero combinare in uno strumento più tardi, uno sarebbe il predecessore non solo della chitarra, ma di tutti gli strumenti a corda dal collo, sia pizzico e
ad arco. Ulteriori sviluppi reso questo strumento ancora più simile nella forma alla chitarra.

Lo strumento di epoca romana (30 aC – 400 dC) è realizzato interamente in legno. La tavola armonica rawhide viene sostituito con il legno in cui cinque gruppi di fori sani piccole sono visibili. Questo arrangiamento persisteva fino al 16 ° secolo. Su uno strumento trovato in tomba copto in Egitto, le curve lungo i lati sono già abbastanza profondo e la forma della chitarra base è evidente. La parte posteriore è diventato completamente piatto anziché esso curvatura verso l’alto per incontrare la tavola armonica, le due superfici sono ora collegati tra loro da listelli di legno che formano i lati della cassa armonica. Queste caratteristiche rimangono fino ai giorni nostri.

Medieval Europe

Lo strumento a corde europea prima nota che potrebbe aver avuto le sue origini qui risale al III secolo dC L’esame del terzo strumento secolo lo mostra di avere una cassa di risonanza rotonda che si assottiglia in un ampio collo. Questo tipo di strumento ha continuato ad essere in uso per molti years.There èdescrizione anche di strumenti risalenti al tempo della dinastia carolingia, che potrebbe essere o francese o tedesco.

Lo strumento carolingia è rettangolare, approssimativamente uguali in lunghezza al collo, la cui estremità superiore è una zona di raccordo più ampia contenente piccole spine per il fissaggio delle corde. In alcune
figure, questi pioli sembrano essere quattro; su altri, cinque. Le stringhe sono di un numero corrispondente e vengono pizzicate in due modi: o con un plettro o con le dita. Lo strumento carolingia ha mantenuto la sua forma fino al 14° secolo.

Allo stesso tempo, un altro strumento cominciò a coesistere con il tipo carolingio. Questo cambiamento influenzato cassa di risonanza
dello strumento, i suoi lati rettilinei ora dando modo a lievi curve. I rappresentanti di questo nuovo strumento si possono trovare in una serie di cattedrali inglesi. Raffigurazioni di strumenti a forma di chitarra sono stati trovati nelle cattedrali francesi e spagnoli prima della
fourtheen secolo.

Guitarra Latina e Guitarra Morisca

C’era una distinzione tra Guitarra Latina e Guitarra Morisca. Quest’ultimo è stato proposto dalla Mori, quindi, il suo nome. La sua cassa di risonanza era ovale e aveva molti buchi sonori sulla sua tavola armonica. Gli arabi, passando per l’Egitto sul loro modo di completare il grande musulmana
conquista del Nord Africa e della Spagna, può ben hanno trasmesso le caratteristiche cardinali di questo disegno per i liutai dell’Europa occidentale. E ‘altrettanto possibile che le prime chitarre spagnoli erano uno sviluppo europeo. Certo è solo che l’arabo influenza in Spagna ha preparato il terreno per l’avvento della chitarra.

La Guitarra Latina però, ha hanno curvato i lati ed è stato pensato per essere venuto in Spagna da un altro europeo paese. E ‘stato questo tipo che senza dubbio sviluppato in chitarra moderna.

La popolarità raggiunta dalla chitarra può essere attribuita alla natura nomade dei trovatori. La chitarra avrebbe potuto arrivato in Spagna dalla Provenza a titolo di Catalogna. Una volta lì, la chitarra poteva essere
attraversato in Spagna nelle mani di trovatori spagnoli itineranti. Quei trovatori in Europa medievale, le cui incessanti viaggi e spettacoli, arricchiti cultura musicale in generale e ha dato grande impulso alla diffusione della chitarra nel continente.

Il Cinquecento

Fino al Medioevo, un’informazione significativa con la chitarra e la sua stirpe ha dovuto essere tratti da dipinti, sculture,bassorilievi. L’uso eccessivo di prove indirette è inevitabile.

A partire dal XVI secolo, però, ci troviamo molto più prova diretta sotto forma di strumenti che esistono fino ai giorni nostri. Chitarre cinquecentesche sono descritti come vihuela dal momento di Luis Milano, Rizzio chitarra dalla Francia, chitarra battente da Italia.

il Vihuela

Dalla Spagna, si è verificato un altro strumento: la vihuela. (vedi Fig.1-2).
In origine, la vihuela è stato associato ad un piccolo guitarra quattro e cinque corde. Allo stesso tempo, il XVI secolo vide il liuto (fig.3) emergono come lo strumento preferito dell’aristocrazia in quasi tutta l’Europa. La Spagna è stata una notevole eccezione. In questo paese, il liuto era diventata associato alla Mori e il loro dominio opprimente. Gli spagnoli non hanno facilmente prendere allo strumento.Hanno fatto, tuttavia, apprezzano la musica che è stata scritta per questo, da qui la ricerca di un mezzo attraverso il quale la musica potrebbe essere eseguita su uno strumento diverso il liuto. gli aristocratici rivolto al popolare guitarra con le sue quattro corde doppie. Tuttavia, una chitarra con solo quattro corde non disponeva di risorse adeguate per soddisfare le esigenze dei
complessi, musica polifonica. Inoltre, i nobili di Spagna sono stati sprezzante della chitarra come lo era allora uno strumento della gente comune. Per risolvere questi problemi, la chitarra a quattro corde fu ingrandita e dato sei corde doppie, girato nello stesso modo come
l’attuale chitarra a sei corde con l’eccezione della terza corda, girato di mezzo tono inferiore. Questo è stato lo strumento che è venuto essere conosciuto semplicemente come vihuela.

Nella sua forma finale, la vihuela era una chitarra a sei corde doppie di budello. La grande tipo di vihuela era circa quattro pollici più a lungo
rispetto alla chitarra moderna. Il collo aveva dodici tasti.

Uno dei primi giocatori vihuela, le cui pubblicazioni sono noti a noi era Luis Milano nato nel 1500. Nel 1535, ha pubblicato un libro, Libro
de Musica de Vihuela de Mano Intitulalo “El Maestro”. 
Questo è stato probabilmente il lavoro più importante di Milano.

L’ultimo vihuela noto è del 1700 e rappresenta fasi finali dello strumento di sviluppo. Suoi tasti sono di metallo, le curve lungo i lati hanno approfondito e il foro suono è di tipo ovale. La popolarità del
strumento è evidente dalla grande quantità di musica ancora esistente scritte ad esso.Musica per la vihuela è stato scritto in tablature: in questo sistema, ogni riga del personale rappresenta una stringa dello strumento. In tablatures spagnoli e italiani, la stringa superiore
è rappresentato dalla linea di fondo, mentre in tablatures francese e inglese, il contrario sarebbe il caso. I numeri sulle linee indicano il tasto per arrestare su tale stringa particuliar. Valori Note sono indicati con varie note tipi posto al di sopra del personale. Questi sono simili ai nostri attuali note del giorno.

La prima di pubblicare opere di tablature spagnola per vihuela erano Luis de Milan nel 1535, Luis de Narvaez nel 1538, Alonso de Mudarra in 1546.This collezione di tablature contiene le più belle strumentali composizioni del Rinascimento. Il XVI secolo fu epoca d’oro della vihuela spagnola musica.

Il quattro corde di chitarra

La chitarra egiziana a quattro corde, una volta giunti in Europa, ha subito un notevole cambiamento nella forma. Il numero di stringhe divenne variabile, passando da tre, quattro e cinque corde. Tuttavia, la chitarra a quattro corde (fig.4) è emerso come il più popolare entro la fine del periodo medievale.

Nel 15° secolo, i termini chitarra chitarino (Italia), guitarra (Spagna), quitarequinterne
(Francia), e gyterne (Inghilterra) di cui uno strumento di andata e sostenuto che in seguitosviluppato in mandolino. Solo nel 16° secolo ha fatto molti di questi termini vengono a essere usate per i membri della famiglia chitarra. [ Tyler James, 1997]

Tutte le sue quattro corde erano doppio nella maggior parte dell’Europa, con l’eccezione di Italia, dove la prima stringa è rimasta sola, e la messa a punto dello strumento italiano differivano dal sistema standard. Considerando che la prassi generale è stato quello di mettere a punto il corso più basso in ottava, con i restanti tre ciascuno sintonizzato in unisson, gli italiani sintonizzati i due corsi più bassi in ottava, il doppio corso rimanendo in unisson, la prima stringa essere single. Entrambi i sistemi hanno usato la messa a punto G, C, E, A più di frequente.

In Spagna, non risulta che si sia due principali sistemi di sintonizzazione per la chitarra a quattro corde. La prima messa a punto era G, D, F #, B. Questa accordatura è stato più adatto per le vecchie ballate e musica golpeada (musica strummed) che per la musica del tempo presente. L’altra messa a punto è identica a quella messa a punto dei primi quattro corde della chitarra moderna.

La prima delle tablature spagnoli per includere musica seria per la chitarra a quattro corde erano quelli di Alonso Mudarra. E ‘incluso quattro fantasie,
una Pavana e la Romanesca “Gárdame Las Vacas”. Il secondo lavoro per includere la chitarra a quattro corde era di Miguel de Fuenllana Orphelina Lyra .L’ultimo lavoro che contiene la musica per questo strumento è stato Juan Carlos di Arnat Guitarra Española y Vandola de cinco Ordenes y de Quatro, nel 1586.

Come venivano pubblicati questi tablature spagnoli, la popolarità della chitarra a quattro corde è in aumento in Francia e in Italia. In Italia, una
collezione di musica per chitarra è stato pubblicato a Venezia con il titolo Libro de tabolatura de chitarra, da Paolo Virchi. Il crescente numero di pubblicazioni è stato pari passo con il numero di chitarristi noti.

In Francia, gli effetti di stampa musica divenne
manifesto. Dal 1551-1555, cinque libri di intavolature per chitarra sono state emesse a Parigi da Adrian Le Roy e Robert Ballard. Questi libri contengono fantasie e pezzi di danza come ad esempio branlesgagliarde; musica per voce e chitarra: salmi, chansons.
Queste composizioni provenienti da molti maestri. Dà la prova che una vera scuola di chitarra giocando l’esistenza in Francia nel XVI secolo.

Dalla Germania, abbiamo il nome di due chitarristi giocatori: Michael Janusch e Michel Mulich.

Ci deve essere esistito un gran numero numero di chitarristi, in quei paesi, che saranno rimasti anonimi la cui musica mai raggiunto la
stampa come era quasi impossibile a pubblicare senza sanzione reale.

A cinque corde di chitarra

Nel Medioevo, la coesistenza di tre, quattro e cinque chitarre con corde è stato notato. Nel XV secolo, il quattro corde doppie strumento eccelleva in popolarità. Nel XVI secolo, a sua volta fu gradualmente sostituita dalla chitarra con corde in doppio cinque (fig.5).

La prima testimonianza di una vera chitarra a cinque corde è un incisione italiana nel XV secolo. Lo strumento, in sé è almeno altrettanto grande quanto la sua controparte moderna, cassa armonica sembra essere più grande di quello del presente chitarra giorno. La sua costruzione multa attira la nostra attenzione l’eccellente artigianato per i quali erano noti liutai italiani di questo periodo.

La chitarra a cinque corde aveva un derivato noto come la chitarra battente (fig.6).
Essa è caratterizzata da una cassa armonica cui dorso curve leggermente verso l’esterno (fig.7) invece di essere semplicemente piatta. Ha un ponte con fogliame disegni ad ogni estremità. Aveva legato contro tasti intestinale e un ponte liuto simile incollata alla tavola armonica. La parte posteriore della cassa di risonanza è decorata con strisce bianche. Questi motivi erano a diventare molto popolare in seguito.Nelle sue giornate precedenti, la chitarra battente era primarly uno strumento strimpellata. Con l’inizio del XVI secolo, è diventato un spennati, oltre ad essere uno strumento di strimpellata. La popolarità delchitarra battente è attestata dalla sua rappresentazione frequente nei dipinti.

La stessa osservazione sul gusto per la decorazione vale per i francesi chitarra Rizzio. E ‘decorato con guscio di tartaruga, avorio, madreperla e ebano.

In Spagna, l’opera più completa sulla chitarra a cinque corde è stato pubblicato nel 1586 a Barcellona. Scritto da Juan Carlos Amat, che ha
una sezione sul cinque corde che fare con un nuovo metodo di gioco e contiene diverse composizioni per questo strumento.

In conclusione: la chitarra a cinque corde è venuto a essere come un risultato dello sviluppo e della trasformazione della chitarra a quattro corde. La messa a punto dello strumento a cinque corde era ADGBE come sui primi cinque corde della chitarra moderna. Dal momento che l’accordatura della chitarra a quattro corde è stata la stessa di quella usata sulle prime quattro corde della chitarra moderna, il basso Una stringa è stata l’aggiunta in seguito. La chitarra a cinque corde è emerso dall ‘Italia alla sua accettazione e crescente popolarità in tutta XVI secolo in Europa.

Il XVII secolo

Il patrocinio della nobiltà europea aveva portato alla chitarra, in primo luogo, il riconoscimento e quindi una misura di indispensabilità. Il
numero di compositori per lo strumento, insieme a chitarristi e liutai, crebbe fino a proporzioni impressionanti. I miglioramenti nei metodi di documentazione hanno consentito ai loro nomi e le realizzazioni a venire fino a noi.

E ‘noto che il re Luigi XIV di Francia si suonava la chitarra e la considerava suo strumento preferito. Ha avuto per il suo maestro uno dei più importanti chitarristi francesi a noi noti – Robert de Visée (1650-1725). Jean Baptiste Lully fu un grande compositore di quel tempo. Ha suonato la chitarra e composta per la strumento.

I nomi di diversi produttori di chitarra durante l’sono stati registrati periodo barocco in Francia. René Voboam rappresentava l’altezza del francese edificio strumento (fig.8) nel XVII secolo. Ha fatto una chitarra datato 1641. Si tratta di un esempio dei più stile ornato di liuteria. Alexandre Voboam e suo figlio Jean fatti chitarre anche
rappresentante del XVII secolo.

German influenza

C’era un numero considerevole di opere contenenti musica per chitarra pubblicato nel XVII secolo, in Olanda. Il lavoro di Isabel van Laughenhove è rappresentativo. Ma fu in Germania che lo strumento ha raggiunto la sua
massima popolarità tra il Nord Europa. Heinrich Schütz (1585-1672), Samuel Scheidt (1587-1654) e Johann Hermann Schein (1586-1630) sono stati importanti.

Tra il numero di chitarre tedeschi ancora in vita, la prima nota di chitarra di fabbricazione tedesca è stato costruito da Jacobus Stadler nel 1624. E’ tipica curva, messo a nudo indietro e mostra una forte influenza italiana. Un Seicento chitarra di un tipo completamente diverso è stato fatto da un sacerdote, padre Giovanni di Apsom. La parte posteriore dello strumento è decorata con una scena della crocifissione.

Il più rilevante liutaio di tutta l’Europa era Joachim Tielke di Amburgo (1641-1719). Le sue chitarre sorprendenti sono state fatte e decorate
con materiali come l’avorio, tartaruga, ebano, oro e argento, la madre-perla, legno Jaracanda. La lavorazione è stata sempre di altissima qualità. Su uno di essi, i fianchi sono realizzati in avorio con immagini incise su di loro. Queste immagini rappresentano scene della Genesi. Le sue altre chitarre sono coperti di Tielke tipo decorazioni floreali
che circondano scene mitologiche, una caratteristica della sua opera. Questa tendenza verso elaborate decorazioni, come manifestato in strumenti Tielke, rappresenta l’altezza del tedesco artigianato; è paragonabile a quella dei maestri del Rinascimento italiano.

Europa orientale influenza

A quanto pare, la chitarra ha trovato la sua strada in dell’Est Europa già alla metà del XVII secolo. In Cecoslovacchia, liutai ceche hanno tentato di adattare il battente tipo di chitarra. Oltre ai cinque doppie corde che la chitarra battente aveva in origine, la Repubblica aveva un altro singola stringa che è stato utilizzato per riprodurre la linea melodica. Chitarre di Andrees Ott, strumento produttore da Praga mostrano l’impatto di influenza italiana.

La Polonia è rappresentata nella storia della chitarra da Jakob Kremberg, poeta, cantante e compositore di Varsavia che ha scritto musica per lo strumento. L’importanza del lavoro di Kremberg risiede anche nelle informazioni che ci dà sulla messa a punto di strumento: l’accordatura della chitarra sarebbe un tono inferiore alla messa a punto del nostro
strumento di giorno presente.

Spagna e il Portogallo

Anche se la chitarra era meno popolare in Spagna che in Italia e non è stato così popolare come la vihuela era nel secolo precedente, alcune
importanti opere sono state stabilite e una serie di chitarristi sottili divenne noto in quel paese.

Una delle importanti chitarristi spagnoli del tempo, Francisco Corbera, dedicato il suo lavoro Guitarra Española y sus differencias de Sonos a Filippo IV, re di Spagna dal 1621 al 1665. Ma il più notevole spagnola chitarrista del XVII secolo era Gaspar Sanz.

Sanz ha studiato la chitarra in Italia e anche organo teoria e musica. Divenne organista a Chapel del re di Napoli. Al suo ritorno in
Spagna, ha pubblicato tre libri di musica per chitarra nel 1674, 1675 e 1697. I libri contengono istruzioni complete dell’autore per l’improvvisazione e la performance, utilizzando i due metodi di gioco: strumming e spennare. Egli credeva l’ex tecnica era più adatto per la musica dance. La messa a punto ha usato era ADGBE.

Oltre ad essere un chitarrista e organista, Sanz era anche un esperto compositore. Musica Solo occupa gran parte del suo libro. Inoltre, sono disponibili molte danze e Passacaglia. Gran parte della sua scrittura è in tablature, ma ci sono diversi passaggi brevi in notazione moderna.

La prossima pubblicazione significativa dopo quella di Sanz è apparso a Madrid nel 1677. E ‘stato scritto da Lucas de Ribayaz. Esso contiene danze
sulla base di melodie popolari.

Forse il più importante compositore spagnolo del XVII secolo fu Don Francisco Guerau, sacerdote e musicista alla corte di Carlo II. Il suo libro, Poema Harmonico compuesto de varias cifres por el tempio de la
Guitarra Española
, pubblicato nel 1694, contiene quindici Passacaglia e dieci
balli di vario tipo, tra cui un Pavana e un Galliard. All’interno del libro, dà una serie di istruzioni su tablature e ornamenti oltre ad alcuni commenti molto importanti su posizione della mano e la tecnica della chitarra, che sono interessanti per ragioni storiche e pedagogiche. Egli ha mostrato l’utilizzo della sbarra e ha avuto un grande preoccupazione per la posizione della mano destra e la posizione del pollice della mano sinistra. Ha contribuito allo sviluppo di una tecnica molto avanzata.

In Portogallo, il monarca Giovanni IV (1603-1656) fondò la libreria musicale più completo nel XVII secolo in Europa. Uno dei chitarristi più importanti del Portogallo è stato Doisi de Velasco. Il suo primo libro è stato pubblicato a Napoli nel 1640. Un secondo lavoro è apparso cinque anni più tardi. Molti spagnoli e portoghesi opere sono state pubblicate in Italia nel corso del XVII secolo. Essa indica che la maggior popolarità della chitarra in Italia ha portato maestri spagnoli e portoghesi a sentire che
avrebbero potuto realizzare profitti più elevati se le loro opere sono state stampate in Italia piuttosto che in casa.

La chitarra in Italia

La chitarra è stata di notevole importanza nella vita musicale italiana in questo momento. Il gran numero di compositori e chitarristi viventi
in epoca barocca in Italia, e tanti strumenti superstiti di questo periodo
lì che in qualsiasi altro paese, dimostrano che questo paese è stato il centro della chitarra mondo.

Il fattore più importante che ha portato alla popolarità della chitarra in Italia e per l’arricchimento della sua letteratura è stata l’introduzione dalla Spagna dello stile pizzicato di suonare lo strumento. Per questo motivo,
la chitarra in Italia è venuto per essere chiamato Spagnuola chitaria. Lo stile colto di suonare lo strumento alla fine ha sostituito lo strumming di accordi che ha dominato la prassi italiana del XVI secolo. La tecnica spennatura a sua volta derivato dalla vihuela tecnica che gli spagnoli adatte a loro chitarra. Una volta che gli italiani avevano adottato lo Spagnuola termine chitarra, sembrano aver progressivamente ampliato il suo significato in modo che per la resto del XVII secolo divenne un termine generale. La designazione “Spanish guitar” persiste fino ai giorni nostri come un’estensione del XVII utilizzo secolo.

I due essenzialmente diverse tecniche di suonare la chitarra (strumming e spennare) coesistevano in XVII secolo in Italia. La tecnica di spennare è stato espresso in notazione tablature. Lo strumming di accordi è stato
indicato da una notazione speciale sviluppato da compositori XVI e XVII secolo. Questa consisteva di un grafico di accordi standard, ciascuno identificato da lettere maiuscole.

Seicento compositori italiani erano numerosi, possono essere menzionate: Girolamo Montesardo, che il lavoro è un esempio di chitarra musica antica nel XVII secolo. Benedetto Sanseverio pezzi composto in forma di Passacaglia, ciaccone, Sarabandes.

Il più famoso chitarrista-compositore del secolo era Francisco Corbetta (Corbetti). Corbetta viaggiato attraverso l’Italia come chitarrista concerto
e in tour nel resto d’Europa con grande successo, i suoi viaggi lo portano a molti reali tribunali. Era un grande virtuose. Corbetta utilizzato diversi tipi di tablature per annotare la sua musica. Le forme delle sue composizioni vario – toccate, passacailles, Sinfonias, ecc.; ma le più significative sono le sue suite, che consisteva del Almanda, Courrente e Sarabande. Erano le prime suite del periodo barocco e Corbetta raggruppati i suoi pezzi e si sono mostrati per essere giocato come un insieme.

Giovanni Battista Granata è stato il più prolifico dei maestri seicenteschi. Le sue composizioni sono state pubblicate in sette volumi ciascuna di dimensioni notevoli. I pezzi per chitarra solista includono preludi, toccate, Correntes ed altri, ed erano complesse.

Altri importanti compositori italiani: Domenico Pelligrini, Ludovico Roncalli. Questi autori hanno scritto in sistemi di tablature come gli altri
compositori in precedenza nel XVII secolo. Molti oh questi compositori viaggiato in tutta Europa portando con sé la chitarra e la sua musica. Oltre a compositori e la loro musica per la chitarra, c’erano opere accademiche scritto circa lo strumento e le sue interpreti.

La pletora di italiani del XVII secolo manoscritti e le opere pubblicate è abbinato da un gran numero di sopravvivere chitarre si trovano in
musei di tutto il mondo. A differenza delle chitarre del nord con i loro piuttosto uniformi disegni e modelli, le chitarre italiane hanno mostrato una grande varietà di ornamenti. L’arte distintivo di vari produttori di dato rosa a grande rilievo nel corso del XVII secolo.

Antonio Stradivari (1644-1737) di Cremona, il più famoso costruttore di strumenti italiani del XVII secolo, è meglio conosciuto per i suoi violini incomparabili, viole e violoncelli, ma era anche noto per aver costruito arpe, ceteras e chitarre (fig.9 -10). Due delle sue chitarre sono noti a noi.

Il XVIII secolo

Nel XVII secolo, l’Italia era il centro indiscusso del mondo della chitarra e ha mantenuto questa posizione di leadership fino al secolo successivo. A questo punto, però, una sfida ha cominciato a venire dal nord. Germania, dove la chitarra aveva avuto una misura della popolarità nel 1600, è diventato sempre più attivo in questo particolare campo musicale, e in poco tempo aveva accumulato un numero impressionante di chitarristi e compositori per lo strumento le cui realizzazioni rivaleggiava con quelli degli italiani.

La chitarra in Germania

Musica barocca tedesca aveva raggiunto un culmina punto con maestri come Johann Pachelbel (1653-1706), Vincentius Lübeck (1654-1740)
e Johann Sebastian Bach (1685-1750). Questo secolo ha visto un grande risveglio di interesse per il liuto. Lo stesso Bach, oltre ai suoi numerosi Cantates, passioni, suite orchestrali, concerti e altri, composte per il liuto.
Questa rinascita arricchito letteratura per liuto e ha causato sviluppi nel
strumento che alla fine ha portato l’aumento della popolarità della chitarra. Il liuto, sempre più, è diventato uno strumento complesso arrivare a un punto in cui era non inferiore a 24 corde. Come conseguenza richiesto più abilità e la formazione per le prestazioni, e come il
problemi connessi con la tecnica del gioco è aumentato, è diventato sempre meno accessibili. Le persone che hanno realizzato si è rivelato alla chitarra.

Il numero crescente di chitarristi corrispondeva un numero crescente di autori per lo strumento. Un certo numero di compositori ha scritto per l’assolo di chitarra: Johann Arnold (1773-1806), Friedrich Baumbach (1753-1813) e Johann Christian Franz (1762-1814) sono stati alcuni di loro. Ma l’aspetto più importante della musica per chitarra tedesco
del XVIII secolo è l’uso dello strumento in una varietà di ensemble da camera combinazioni, per esempio: chitarra e flauto; chitarra e fagotto; chitarra, viola e contrabbasso.

Un importante pubblicazione teorica circa la chitarra Neu eröffneter theoretischer und praktischer Music-Saal di Joseph Friedrich Bernhardt Kaspar Majer, può essere individuato perché contiene il primo riferimento noto a una chitarra a sei corde. La sua messa a punto, in base alle Majer, era DADF # -AD. La duchessa Amalia von Weimar portò una chitarra a cinque corde da Italia a Weimar nel 1788. Questo strumento servì come modello per alcuni dei primi sforzi del celebre chitarra produttore Jacob August Otto (1760-1829). Lo strumento risultante è diventato molto popolare nel sud della Germania. Nell’ultimo decennio del Settecento, Otto è stato ordinato da un certo conduttore da Dresda (chiamato Naumann) da aggiungere alla sua chitarra a cinque corde un sesto della stringa – il basso – secondo la prassi italiana. La chitarra, dopo aver guadagnato popolarità in Germania, si è trasferito ai paesi più a nord. In Danimarca, Peter Schall (1762-1820) violoncello, canzoni composte e cori con la chitarra accompagnamento.

La chitarra in Belgio e Olanda

Belgio, ha prodotto una serie di chitarristi pregiati tra i quali c’era François Le Cocq, un violinista con Bruxelles Corte Orchestra. Ha scritto
numerose opere per chitarra in intavolatura francese (Recueil de pièces de guitare). Più tardi, ha pubblicato un’antologia di musica per chitarra di maestri seicenteschi.

In Olanda, la famiglia Cuypers di rinomati produttori di strumenti è stato anche facendo chitarre. Sono diventati una casa fiorente con rappresentanti a L’Aia e Amsterdam.

La chitarra in Europa orientale

L’interesse dimostrato per la chitarra nel nord paesi è stata pari a quella nei paesi della parte orientale, come la Boemia, la Cecoslovacchia e Russia. Johann Baptist Wanhall (1739-1813), un boemo, composto per ensemble da camera che includeva la chitarra. In Cecoslovacchia, la tradizione di suonare la chitarra ha continuato ad essere riaffermata da compositori come Heinrich Dringeles e liutai come Jean Bourgard, che ha lavorato a Praga, la produzione, oltre alle chitarre, mandolini, bassi, liuti, chitarre inglese e una “chitarra meccanica”. Alla fine del XVIII secolo, la chitarra ha cominciato ad affermarsi saldamente in Russia. Il pionieri nella costruzione di chitarra hanno iniziato il loro lavoro in quel momento. Uno di questi era Ivan Andreyevitch Batov. Il suo laboratorio è stata stabilire a Ulm nel 1780. Da esso fiorì una varietà di strumenti musicali tra cui chitarre, balalaica, violini e violoncelli.

La chitarra in Francia

Se è vero che molti dei chitarristi così lontano menzionati erano membri dell’orchestra di corte, fu in Francia che la chitarra ha raggiunto lo status di strumento per eccellenza per la nobiltà. Qui, la tendenza ad associare la chitarra con eleganza in suono divenne particolarmente marcata ed è stato successivamente riflette nelle numerose opere d’arte affascinanti quale immagine lo strumento. Il più celebre sono i dipinti di Antoine Watteau (1684-1721), in cui giovani uomini e donne passeggiare in ambienti pastorali ampie e sono esposti a suonare la chitarra. Altri francesi
artisti che raffigurati la chitarra erano Jean Baptiste Pater e Ollivier.
I francesi anche prodotto opere d’arte sulle loro chitarre. Hanno continuato a sviluppare la loro arte seguendo gli stessi metodi di costruzione usati in precedenza e rappresentato dal XVI secolo strumento René Voboam (vedi fig.8). La continuità è dimostrata da una serie di strumenti settecenteschi. Un esempio del XVIII secolo chitarra a sei corde è uno strumento realizzato da Francisco Lupot, è datato 1773. Il Salomon chitarra è un altro esempio. E ‘stato costruito da Salomon a Parigi intorno al 1760 (fig.11).

Una più insolito varietà di chitarra sembra essere stato sviluppato in questo momento: il basso. Questo strumento ha avuto una serie di ulteriori
stringhe sul collo collegato a una scatola di sintonia separata. Un basso, realizzato da Gérard J. Deleplanque, nel 1782, ha sei corde singole sul collo e quattro corde basse di fuori del collo. Questo tipo di chitarra a dieci corde in seguito sarebbe diventato estremamente popolare nella seconda metà del XIX secolo, quando divenne noto come il decachorda chitarra. E ‘sopravvissuto alla prima parte del ventesimo secolo.

La rivoluzione francese del 1789 costretto Exil molti nobili, ma per fortuna non ha portato a oscurità per lo strumento. Al contrario, nel momento in cui è salito a un livello più alto di popolarità a causa della sua adozione da parte delle masse. Naturalmente, lo strumento non avrebbe potuto raggiunto il grado di favore che godeva prima e dopo la rivoluzione senza gli sforzi e le realizzazioni dei musicisti-artisti e compositori.

Esecutori e compositori del Settecento

Uno di questi era Trille Labarre, un virtuoso della chitarra. Ha scritto musica per chitarra sola, per chitarra e violino, chitarra e voce. Un altro era Antoine Marcel Lemoine (1763-1877), un famoso virtuoso che ha anche suonato il violino e composto. B. Vidal riempito le funzioni di interprete, insegnante e compositore. Ha scritto una Nouvelle Méthode per chitarra.
Forse il dato più rilevante nella storia della chitarra nel XVIII secolo
la Francia è Charles Doisy. Ha giocato sia le cinque e sei corde chitarre e scrisse un trattato, Principes généraux … per entrambi gli strumenti. Compositore prolifico, ha lasciato circa duecento opere per chitarra solista, chitarra e pianoforte, chitarra e archi, e chitarra e strumento d’ottone. Folia d’Espagna è stato un tema molto popolare conosciuto in tutta Europa. Doisy scritto non meno di cinquanta variazioni su di esso. Gli italiani Arcangelo Corelli e Alessandro Scarlatti ha scritto
variazioni, anche per questo tema.

Gli sviluppi in atto nei vari paesi d’Europa si sono riflessi piuttosto debolmente in Spagna. Il numero di spagnoli chitarristi, compositori e liutai era meno temibile in confronto a quello che era stato nel secolo precedente e quello che doveva essere nel secolo successivo.

Probabilmente perché nei secoli precedenti la chitarra era stata messa in ombra dalla vihuela, la scuola spagnola di liuteria non ha cominciato a fiorire fino alla fine del XVIII secolo. A questo punto, José e workshop Juan Pages’ erano attivi 1790-1819 a Cadice, un centro per la costruzione di strumenti musicali (fig.12). José Benedict e Francisco Sanguino avevano esercitato una notevole influenza nell’evoluzione della chitarra moderna.
Juan Matabosch, che ha lavorato a Barcellona, conta tra i più importanti liutai della fine del XVIII secolo la Spagna. Prima chitarra di Fernando Sor è stato costruito da Matabosch.

Santiago de Murcia è stato uno dei più importanti chitarristi del XVIII secolo Spagna e uno degli ultimi di impiegare tablature. Fernando Ferandière goduto di un alto rango come chitarrista nel XVIII secolo ed è stato parlato in termini entusiastici di Dionisio Aguado. Questo notevole prolifico compositore ha scritto due cento e trentacinque opere, che sono stati pubblicati dal 1785 al 1799. la maggior parte di Ferandière contributo importante, tuttavia, è stata la sua Arte de tocar la guitarra española por
musica
 , un metodo in notazione moderna per la chitarra a sei corde, pubblicato a Madrid nel 1799.

Comparendo quasi in contemporanea con l’opera di da Ferandière è stato un altro metodo intitolato Principios para tocar la guitarra de seis Ordenes di Don Frederico Moretti, un compositore di origine italiana. Il metodo di Moretti ha stabilito i principi fondamentali della tecnica di chitarra moderna e ha costituito la base per un ulteriore sviluppo. Moretti è stato molto apprezzato da F. Sor e Aguado per il suo lavoro e le innovazioni.

L’amore degli spagnoli per la chitarra è stata fatta evidente dalla frequenza del suo aspetto nelle opere di artisti come Francisco Goya
(1746-1828). Bravissimo , una delle incisioni di Goya, attrae l’attenzione sia per la sua rappresentazione della chitarra e per il suo sguardo indietro a temi secolari. Altre opere d’arte in Spagna riflettono la popolarità calare della chitarra in aristocratiche circoli e il suo emergere come strumento nazionale della Spagna. Ci sono stati pochi liutai in Portogallo durante questo periodo. Di questi, solo i nomi dei José Pedeira Coelho e Miguel Ancho sono giunti fino a noi. La chitarra è un altro Vieyra chitarra fatta da un produttore portoghese (fig.13).

L’Italia, nonostante il lieve regressione nella popolarità della chitarra nel XVIII secolo, ha mantenuto la sua posizione come centro di chitarra d’Europa in virtù dei suoi contributi allo sviluppo dello strumento. Italiani
i compositori hanno scritto un numero consistente di opere e, come i chitarristi e anche di chitarra maker, viaggiò molto, portando esercitate su vari altri paesi l’influenza dei loro successi.

Dei molti compositori italiani che hanno scritto per la chitarra, il più celebre fu Luigi Boccherini (1746-1805). Ha viaggiato a lungo, come molti dei suoi contemporanei, esibendosi come violoncellista con il famoso
violinista Manfredini. Questi due musicisti sono stati invitati a Madrid, dove il fratello del re, l’Infante Don Luis, impegnato Boccherini come compositore ed esecutore. Più tardi, Boccherini soddisfatta funzioni simili per il re di Prussia. Dopo questo periodo, Boccherini ha imparato
a suonare la chitarra ed è stato invitato a scrivere parti di chitarra. Nel 1799, Boccherini compose una sinfonia concertante per chitarra, violino, oboe, violoncello e contrabbasso. Ma la maggior parte dei opere per chitarra di Boccherini sono raccolti in forma manoscritta.

I passi avanti fatti in Italia verso il miglioramento della chitarra ha avuto un impatto sullo strumento durante altre parti del mondo, per questo secolo ha segnalato la diffusione dello strumento nel Nuovo Mondo, in particolare in Sud America. Argentina aveva già prodotto una serie di chitarristi. Tra di loro c’erano Manuel Macial e Antonio Guerrero, che è diventato abbastanza famoso.

Realizzazioni degli artigiani italiani da solo sarebbe hanno guadagnato per il loro paese un posto duraturo nella storia della chitarra. E ‘stato attraverso la loro iniziativa che l’importante spostamento di enfasi – dal decorativo elaborato allo stile più funzionale e classico – è stata effettuata in costruzione della chitarra.

Chitarra a sei corde

Decisamente, il fattore più importante nello sviluppo della chitarra è stata l’aggiunta della sesta corda. E ‘stato senza ombra di dubbio un’innovazione che appartiene al XVIII secolo, proprio come la chitarra a cinque corde è stato un
prodotto del XVI. L’origine italiana della chitarra a sei corde è favorita da molti
argomenti:

1) La chitarra battente italiana (fig.6-7)
della fine del XVII del primo Settecento aveva un arrangiamento di sei corsi di
due stringhe ciascuna.
2) Un 1732 la pubblicazione da JFBK Majer dà l’accordatura di una chitarra a sei corde.
3) La prima sei corde tedesco fatta da Otto, è stato costruito di conseguenza per il
metodo italiano.

La data precisa, perché quando sei corde doppie sono stati sostituiti da sei singole stringhe, non è noto. Ma è lecito ritenere che, i sei single-stringa arrangiamento risale alla metà del XVIII secolo. Verso la fine
del secolo, la chitarra con sei corde singole messo in ombra tutti gli altri tipi.

La chitarra a sei corde era diventata la norma. La rosetta dato modo di un foro aperto, mentre il collo è allungato e dotato di un rilievo fingerboard estende alla buca. Diciannove tasti metallici fissati alla fine è diventato
standard. Il ponte è stato sollevato, il corpo ingrandita e fan-strutting introdotto sotto la tabella per supportare stringhe tensione maggiore. Corde alte erano di budello (sostituita da nylon più durevole dopo la seconda guerra mondiale), corde basse da ferita metallo su seta (o, più di recente, in nylon floss). Tablature è diventato obsoleto, musica per chitarra di essere universalmente scritto nella chiave di Sol, che suona un’ottava inferiore scritto. [Sparks, Paul, 1997]

Unusual chitarre

Il XVII secolo fu un periodo in cui la chitarra ha attraversato una serie di modifiche strutturali. Strumenti nuovi e inusuali di conformarvi, le innovazioni hanno provato, alcuni dei quali durò fino al XIX secolo.
Il desiderio per un suono migliore spostato molti liutai di sperimentare varie forme per la strumento. Inoltre, c’era in questo momento un grande amore per la stranezza e novità per il loro bene. Probabilmente le chitarre più spettacolari sviluppate nei secoli XVIII e XIX erano strettamente correlati lira-chitarra e chitarra-arpa e harpolyre.

Harpolyre: (www.harpguitars.net)

Brevettato da Salomon nel 1829, è stato chiaramente progettato per essere giocato come una chitarra arpa adattabile molto intricato con molti colli. Il collo a 6 corde centrale è sintonizzato esattamente come una chitarra standard. Il collo a sinistra contiene 7 bassi stringhe “arpa”, sintonizzati cromaticamente da A (un’ottava inferiore 5a corda del collo principale) fino a Eb (adiacenti del collo basso E). Il collo di destra contiene 8 acuti stringhe “arpa”, sintonizzati diatonicamente in chiave di C, a partire dal C corrispondente al primo tasto della 2a corda sul collo principale, fino a C un’ottava sopra. I tasti del collo esterni sono lì solo per consentire la completa, accurata intonazione cromatica cambio delle “corde dell’arpa” con un capo.

Arpa-liuti: (www.harpguitars.net)

Tutti sembrano essere stati realizzati nel periodo 1798-1830, in generale a Londra (il Levien a Parigi). Edward Luce è stato l’inventore originale e più prolifico (i suoi strumenti in fase di costruzione da parte del negozio di Barry), con la concorrenza di Clementi, Harley, Wheatstone, Ventura, e, infine, Levien a Parigi.

Edward Luce era l’originale e più prolifico inventore (i suoi strumenti in fase di costruzione da parte del negozio di Barry), con la concorrenza di Clementi, Harley, Wheatstone, Ventura, e, infine, Levien a Parigi Fretted Arpa Chitarre. In rari casi, in particolare di Salomon harpolyre, ci sono strumenti che sono chiaramente destinati ad essere sintonizzati e giocato come arpachitarre, ma sono dotati di un set completo di tasti in tutte le stringhe. In questo caso, i tasti non sono destinati diteggiatura mano sinistra, ma come una serie di “noci”, dietro la quale un capo (un dispositivo che blocca le corde per la tastiera) è attaccato a cambiare il tono di un intero banco stringa arpa .

 

Una chitarra con una cassa armonica estesa è stato costruito in Inghilterra. L’estensione è semplicemente una lunga sporgenza rettangolare con un proprio foro sano. Questo è stato probabilmente un tentativo di migliorare il suono dello strumento, aumentando la risonanza della cassa armonica.

Molte di queste innovazioni sono state scartate non appena come sono stati dimostrati impratical, ma tre variazioni sulla chitarra di base trovato un certo grado di accettazione.

In primo luogo è stata la chitarra basso, che consisteva in una chitarra di serie con corde basse in più numerazione 2-6. Questi sono stati appesi sia per avere il collo curvo per accogliere una testa messa a punto in più con l’aggiunta di un secondo collo senza tasti. Gli altri due tipi accettate di chitarra – il terzguitar e la quartguitar – sono strettamente legati gli uni agli altri. Il primo era più piccola della chitarra moderna ed è stato messo a punto una terza minore più alto: GCF-Bb-DG. Quest’ultimo era ancora più piccolo ed è stato intonato quarta sopra rispetto alla chitarra moderna: ADGCEA. Molti compositori, tra i quali Giuliani e Diabelli, ha scritto per questi strumenti. Il basso, il terzguitar e la quartguitar non sopravvisse oltre il primo quarto del XX secolo.

The Nineteenth Century

Le varie tendenze prese dalla chitarra nei secoli precedenti possono, in retrospettiva, essere visti come tante strade e sentieri che hanno portato a
una destinazione – sei single chitarra con corde. Non è stato fino al XIX secolo che lo strumento era quello di raggiungere la vetta del suo sviluppo. L’accettazione dei sei sola chitarra con le corde è diventato universale, diffondendo non solo di ogni parte d’Europa, ma per il continente americano.

Le variazioni di condizioni sociali provocati dalla rivoluzione industriale hanno contribuito a una crescente conoscenza dello strumento. Mezzi perfezionati di trasporto abilitati concertisti di viaggiare più ampiamente rispetto a prima. Ferrovie sono state diffondendo in tutto il continente, e tour di concerti estesi dato molti chitarristi opportunità senza precedenti da eseguire prima di un vasto pubblico. Questa era l’epoca dei grandi virtuosi della chitarra il cui concertistica in tutto il mondo contribuito a gettare una solida base per la notevole popolarità dello strumento nel ventesimo secolo.

Nella prima metà del secolo, il rinnovato entusiasmo per lo strumento è stato centrato a Vienna. A questo punto, Vienna era diventata un grande centro musicale attrae molti musicisti provenienti da tutta Europa. Chitarristi sono stati tra quelli che sono venuti e le loro molti spettacoli hanno dato la chitarra l’impulso necessario per il riconoscimento come mezzo serio per l’espressione artistica.

Probabilmente il primo chitarrista importante a stabilirsi a Vienna è stato Simon Molitor (1766-1848). Numerose composizioni di Molitor includono chitarra assoli e musica da camera con parti di chitarra. Tra questi ci sono trii per violino o flauto, viola e chitarra. Tale strumentazione erano parte integrante del ricco musicale viennese la vita di questo periodo.
Un altro interprete, Leonhard von Call (1769-1815), scrisse una grande quantità di musica per chitarra, che è diventato popolare, e un metodo per la chitarra.

Mauro Giuliani

Mauro Giuliani (1781-1829), un italiano, è uno dei più importanti esponenti della chitarra e la sua musica del diciannovesimo secolo.
A seguito di un soggiorno prolungato a Vienna, dopo 1807 ha avuto una grande influenza come esecutore. Ha iniziato la tendenza verso ampi tour di concerti per chitarristi, diffondendo così l’ accettazione della chitarra come uno strumento serio in tutta Europa. A Vienna, di Mauro Giuliani
influenza sulla vita musicale è stato profondo. Ha iniziato concerti di chitarra e orchestra.Egli spesso eseguita con alcune delle più importanti figure musicali del suo tempo a causa delle sue notevoli realizzazioni tecniche e musicali.

Collaboratori di Giuliani inclusi Karl Seidler, Spohr, Loder e Anton Diabelli. Anche se Diabelli (1781-1858) era sia un pianista e un
chitarrista, di maggiore importanza è stato il fatto che era un editore musicale. Fu in questa veste che la sua associazione con Giuliani si è rivelata particolarmente proficua. Ha pubblicato numerose composizioni per chitarra, compresi quelli di Giuliani, ed i suoi sforzi per promuovere la chitarra la musica ha avuto un effetto significativo sulla crescente popolarità dello strumento. Di Giuliani figlia Emilia era un tempo accreditato con la scoperta di armoniche sulla chitarra.

Franz Schubert (1797-1828) suonato e scritto musica per chitarra. Troppo poveri per possedere un pianoforte, ha usato la chitarra durante la composizione. Ha scritto molte belle canzoni con accompagnamento di chitarra, ma il suo più importante contributo alla chitarra letteratura, tuttavia, è stato il Quartetto per flauto, chitarra, viola e violoncello.

Molti altri chitarristi italiani seguirono di Giuliani esempio concertistica e pubblicando la loro musica a Vienna. Uno dei più importanti è stato Luigi Legnani (1790-1877). Ha sviluppato una tecnica e virtuosismo che erano
alla fine di superare Giuliani. L’interesse di Legnani incluso costruzione della chitarra. Molte delle sue proposte ha portato a preziosi miglioramenti sullo strumento. Come compositore è stato prolifico. Le sue opere numerate fino a opus 250 e comprendeva un concertoduostriovariazioni, Trentasei Cappricios e Scherzo .

Matteo Bavilaqua, un altro italiano notato chitarrista, ha pubblicato numerose opere tra assoli di chitarra e composizioni per chitarra e pianoforte, chitarra e flauto, ecc

Dei chitarristi Boemia, Wenzeslaus Matiegka (1773-1830) è stato il più importante. La sua musica per chitarra solista e sia per la camera insieme include oltre trenta composizioni.

Tra i chitarristi tedeschi era Leonhard Schulz che era un giocatore di grande statura.

Fernando Sor

Gli esponenti della scuola “espressionista” erano gli spagnoli Sor e Aguado, e gli italiani Carulli, Carcassi, e Giuliani. La figura di spicco del gruppo, Fernando Sor, era il più grande chitarrista del periodo romantico. Figlio di un mercante catalano, nato a Barcellona nel 1778 e ha ricevuto un’educazione musicale presso la scuola del coro del vicino
monastero di Montserrat. A diciotto anni, Sor scrisse un’opera, Telemaco sull’Isola di Calypso che è stato prodotto a Barcellona nel 1797.
Sor è stato chiamato alle armi durante il periodo confuso di occupazione francese. Quando la Francia si ritirò, sconfitto da Wellington e gli eserciti di guerriglia spagnola, Sor non aveva scelta ma lasciare con loro. Dopo 1812, ha vissuto a Parigi per la maggior parte, dove ha gived concerti incantevoli tutti i parigini. Ha fatto il suo debutto a Londra nel 1815, dove è stato il primo e unico chitarrista invitato ad esibirsi con la London Philharmonic Society. Nel 1817, è apparso come solista nel suo Concertante
per lo spagnolo chitarra e archi
. Nel corso del 1820 si recò in Germania e poi in Russia. Ha prodotto tre dei suoi balletti a Mosca. Alla morte dello zar Alessandro I nel 1825, Sor compose una marcia funebre, su richiesta del nuovo zar Nicola I. Dopo il suo ritorno in Francia, ha lavorato instancabilmente come insegnante e compositore.

Le sue composizioni spaziano a più di 250 o 300 opere che vanno dai pezzi salone per completare opere. Le sue partiture principali più noti erano
balletti – Cendrillon e Gil Blas. Grazie ai suoi istinti di danza, era ai suoi migliori valzer compongono, minuetti, GALOPS, boleros, e così via. Per un francese un’enciclopedia che ha scritto il primo autorevole studio di tali danze spagnole come il bolero, seguidillamurciana e Sevillana . In una vena più classico scrisse sonate, fantasie, e set di variazioni su temi di Mozart, Hummel e Paisiello.

Ma coronamento di Sor è la sua Méthode pour la guitare del 1830 – senza dubbio il più straordinario libro sulla tecnica di chitarra mai scritto. Esso rappresenta il frutto di 40 anni di esperienza.

Sfidato dagli sviluppi di chitarra tecnica e le richieste per gli strumenti più sottili, sempre più liutai hanno cercato di tenere il passo con le mutevoli esigenze e per la produzione di strumenti che li soddisfano. Johann Georg Staufer (1778-1853) è stato un eccezionale produttore di chitarra con sede in Vienna. Oltre ad essere accreditato con l’invenzione del guitarre d’amour, ha anche guadagnato una reputazione per chitarre sottili.

Johann Gottfried Scherzer (1843-1870) ha assunto il workshop Staufer. Sperimentare ampiamente per migliorare il tono della chitarra e prendendo vantaggio dei suoi contatti con i fisici per raggiungere il suo scopo, è diventato uno dei primi liutai di aver avvicinato il suo lavoro scientifico, producendo come risultato multa chitarre da concerto di qualità.

Interpreti russi

L’invenzione del sette corde della chitarra russa è stato attibuted Andreas O. Sichra (1772-1861). I suoi settantacinque composizioni per chitarra a sette corde è diventato il nucleo di una ricca letteratura per questo strumento. Ha scritto un metodo eccellente per la chitarra. Metodi di insegnamento Sichra e principi hanno prodotto molte delle belle chitarristi della Russia: Simeone N. Aksenow (1773-1853) che è tra quelle accreditate con lo sviluppo l’uso degli armonici; WI Swinzow che è stato uno dei primi virtuosi sette corde di esibirsi in pubblico numeroso auditorium.

La preminenza della chitarra a sette corde in Russia, in alcun modo escluso il tipo di sei corde dalla vita musicale del paese. Marcus D.
Sokolowski (1818-1883) è stato uno di quelli che ha imparato la chitarra a sei corde, dopo aver iniziato la sua carriera musicale come violinista e violoncellista.

Uno dei migliori musicisti della Russia hanno contribuito alla storia della chitarra. Nicolas P. Makarow (1810-1890) la cronaca le sue personali
impressioni dei personaggi e le abilità musicali dei molti chitarristi famosi che aveva sentito in tutta Europa. Nel 1856, ha organizzato a Bruxelles un concorso per il miglior composizione chitarra e la chitarra migliore fatta. Il primo e secondo premio per la composizione sono state vinte da Napoléon Coste e Johann Mertz rispettivamente. Il primo premio per il miglior chitarra fatta è andato a Johann Scherzer di Vienna, il secondo premio a Ivan F. Archusen della Russia.

Nel 1823, il celebre Fench ballerina signora Hullin Sor, moglie di Fernando Sor, è venuto a Mosca per eseguire diversi balletti alla musica scritta dal marito. Sor visitato la Russia se stesso e, in ricordo della sua visita russo, ha composto un duetto di chitarra dal titolo Souvenir de Russie .

Maestro italiano

La competenza e l’eccellenza delle italiane chitarristi erano tali che la loro influenza è stato sentito non solo in tutta Europa e nelle Americhe pure.

Fernando Carulli è nato a Napoli nel 1770 e morto a Parigi nel 1841. Al primo violoncello, in seguito si è dedicato esclusivamente alla chitarra e divenne uno dei virtuosi più affermati d’Italia su questo strumento. A Parigi, ha fatto un nome per se stesso giocando recital salone, scrivendo i suoi tre cento sessanta composizioni, e un metodo che è ancora disponibile. Ha ideato una chitarra con quattro corde basse in più (il decacorde). I suoi recital contribuito a rendere Parigi un formidabile
centro di attività chitarra.

Il suo successore Matteo Carcassi (1792-1853) ha ampliato la tecnica di Carulli con un metodo completo per la chitarra, che divenne la guida di studio più diffuso del diciannovesimo secolo. Carcassi era venuto
a Parigi con recital riuscite in Germania, Italia e Inghilterra alle sue spalle. Era un ottimo virtuose e, con il tempo, il suo modo di giocare sostituito Carulli di popolarità.

Niccolò Paganini (1782-1840) è ricordato soprattutto come virtuoso del violino ma era troppo un virtuoso formidabile sulla chitarra. Ha scritto quasi tutta la musica per chitarra come per violino: praticamente tutto ciò che ha pubblicato durante la sua vita contiene almeno una parte di chitarra. Il numero delle sue composizioni è costituito da un centinaio di quaranta piccoli pezzi da solista, una serie di sonate per violino e
chitarra, quartetti per violino, viola, violoncello e chitarra, trii per chitarra e due ad arco stringhe. L’interesse di Paganini per la chitarra lo ha portato a contatto con molti dei più importanti esponenti del mondo della chitarra, fra i quali Zani de Ferranti e Legnani.

Zani de Ferranti (1800-1878) è stato descritto come uno dei più grandi virtuosi della chitarra del tempo. Hector Berlioz refered a lui nel suo trattato di orchestrazione. Zani de Ferranti viaggiato più esteso di quanto
la maggior parte degli interpreti del giorno. Egli è andato infine in America e ha avuto l’onore di essere uno dei primi virtuosi di chitarra riconosciuti al tour negli Stati Uniti. Ha contribuito diverse composizioni solistiche al repertorio. Queste opere sono fantasienotturni e vari altri pezzi.

In circa gli stessi anni, un dato significativo è apparso nella persona di Napoleon Coste (1806-1883). Stabilire se stesso a Parigi nel 1830 dove ha associato con chitarristi importanti come Aguado, Sor, Carcassi e Carulli, si è esibito fino al 1863, quando un incidente inabili sua destra
mano. Le sue composizioni musicali sono circa una cinquantina e lui era uno dei primi chitarristi a tentare una trascrizione della musica del XVII secolo in notazione moderna. In effetti, il suo contributo più importante sta nel slancio ha gaved alla rinascita di interesse per la musica per chitarra barocca.

L’intensa attività nel settore delle prestazioni è stato accompagnato dagli sforzi di costruttori di strumenti per produrre non solo nuovi ma anche migliori chitarre. Tra i molti importanti liutai dell’epoca, molti dei migliori erano membro della famiglia Fabricatore. Gennaro Fabricatore ha lavorato nella prima metà del XIX secolo e il suo stile ha portato un passo più vicino alla forma moderna della chitarra thast doveva essere sviluppato in seguito nel secolo. A Parigi, il liutaio René François Lacote becamed uno dei liutai più importanti del secolo.

Mentre l’aspetto più saliente del XIX secolo è stato il gran numero di virtuosi che viaggiano, l’uso della chitarra nella musica da camera è diventato anche più pronunciato in questo momento. Tra i compositori che hanno prodotto tali opere erano Johann Bayer, Joseph Küffner, Johann Kapeller e Johann Kaspar Mertz (1806-1856). Mertz usato una chitarra a otto corde e poi un tipo a dieci corde.

Ovunque la chitarra è diventato popolare, ha attirato l’attenzione di compositori di spicco che allora componevano per esso. Von Weber (1786-1826) composta per essa. Richard Wagner (1813-1883) era noto per aver girato spesso ad esso come un aiuto durante la composizione, ha scritto accompagnamenti di chitarra.

Forse uno sviluppo saliente nel XIX secolo, è stato uno di quel che si può definire il Rinascimento della chitarra in Inghilterra. All’inizio l’evoluzione della chitarra, questo paese ha svolto un ruolo; uno, tuttavia, che lo ha fatto non mantiene. Quando Londra divenne, nel XIX secolo, un centro musicale uguale importanza a Parigi, Vienna e St-Pietroburgo, ha attirato un gran numero di chitarristi che sono venuti a eseguire e ha dato l’inglese un’ampia esposizione alla musica per chitarra, in tal modo far rivivere e intensificando l’interesse della gente nello strumento. Com’era prevedibile, liutai hanno prosperato in Inghilterra in questo momento.

Chitarristi della Spagna

Spagna ha prodotto molti virtuosi in circolazione in questo momento ed è indiscutibile che la musica di chitarra fiorì nel XIX secolo in Spagna.
Eppure, i virtuosi della chitarra spagnoli e gli esponenti spagnoli dello strumento raggiunto il loro grande successo al di fuori del loro paese d’origine. Fernando Sor esemplificato questi emigranti chitarristi.

Dionisio Aguado
(1784-1849) è stato un virtuoso importante e compositore. Era un pedagogo importante e il suo Metodo para guitarra è ancora considerato uno dei migliori metodi scritti nel XIX secolo. È stato tradotto in altre langages e ristampato più volte. Ha avviato l’utilizzo di un basamento per sostenere lo strumento durante la riproduzione in una seduta di posizione.

Giuliano Arcas
(1832-1882) è stato un altro virtuoso della chitarra spagnola. Dopo aver visitato la Spagna, si recò in Inghilterra ed eseguito al Brighton Pavilion davanti ai membri della famiglia reale. Il suo gioco è stato molto apprezzato. Tornato in Spagna, ha continuato a concertize ed è stato
docente presso il Conservatorio Reale. Non meno di ottanta delle sue composizioni è stato pubblicato.

Francisco Tarrega

Probabilmente il contributo più importante alla pedagogia e tecnica chitarristica dalla Spagna è incarnata nelle opere di Francisco Tarrega
(1852-1909). Tra questi, le sue composizioni che si collocano tra i migliori alla fine del XIX secolo.

Tarrega ricevuto la sua prima istruzione chitarra a otto anni. Questa è stata seguita da studi presso il Conservatorio di Musica di Madrid, dove ha poi insegnato chitarra. Ha anche insegnato presso il Conservatorio di Barcellona e ha fatto più di 100 trascrizioni di opere di Bach, Haendel, Mozart e Schubert. Inoltre, ha scritto molte composizioni del suo, preludi, studi, valzer, che presentano la maggiore complessità di armonia e tecnica resa possibile dal suo nuovo approccio alla chitarra. Questo nuovo approccio ha comportato un cambiamento importante: la detenzione della mano destra perpendicolarmente alle corde, invece di essere in possesso obliquamente a loro.

La tecnica di Tarrega ha reso più conveniente l’uso del cosiddetto “colpo supportato” o “martello ictus”. In ogni caso, le realizzazioni di Tarrega erano aiuti definiti e significativi verso la formulazione di tecnica di chitarra moderna. Hanno contribuito a rivitalizzare la popolarità della chitarra, che aveva declinato negli anni precedenti. Improvvisamente, ci fu una nuova generazione di compositori che potrebbero interpretare la Spagna al mondo esterno nel proprio linguaggio: Isaac Albéniz (1860-1909), Enrique Granados (1967-1916), e Manuel de Falla (1876-1946). Tutti loro ammiravano la chitarra come appassionati, ma solo Albéniz cresciuto a suonare la chitarra e il pianoforte. Albéniz
ha continuato a diventare uno dei più grandi pianisti del secolo, ma che ha scritto per la tastiera come pensava si trattasse di una chitarra. Molte delle sue opere sono eminentemente adatto a chitarra trascrizioni.

Dopo la morte di Tarrega nel 1909, il suo lavoro è stato portato avanti da un cerchio di allievi di talento, tra cui Emilio Pujol, Miguel Llobet, Daniel
Fortea, e Alberto Obregón.

liutaio Antonio Torres

Successi di Tarrega in parallelo sono stati sviluppi nella costruzione della chitarra. Proprio come il suo approccio alla chitarra che gioca gettato le
basi per la pratica più avanzata, in modo che il lavoro del liutaio celebre Antonio Torres Jurado (1817-1892) ha portato direttamente alla forma di base della chitarra in cui è ormai noto (fig.14).
Egli ha posto grande enfasi sull’importanza della tavola armonica top nella produzione di tono, e ha perfezionato e stava usando ventilatore rinforzo sotto la tavola armonica per arricchire il suono. Ha sviluppato ventilatore rinforzo sotto il top e ne ha fatto standard. Tuttavia, le pagine (il costruttore Sor e Aguado consigliati) stava usando fanbracing a partire dagli 1790. Panormo utilizzato ventilatore nuotata in lo stile spagnolo dal 1820. Ha usato la lunghezza della stringa a 65 cm, la misura in uso ancora oggi, ma chitarre in 1800-1810 erano 650 scala anche. Egli è accaduto a
fare 650, ma Stauffer stava facendo 647, Lacote fatto qualche 650, ecc – a seconda delle dimensioni delle mani del giocatore! Si tratta di un perché “standard” tutti copie ciò che Torres ha fatto. Ha standardizzato un modello di ponte legato quasi identico a quello trovato oggi su tutte le chitarre classiche ma t lui legare ponte ha avuto origine con chitarre barocche, ed era di serie su tutti spagnoli chitarre per tutto il 19° secolo.

Torres innovazioni hanno portato alla fondazione di una vera scuola spagnola di liuteria la cui adesione alla fine comprendeva i più liutai importanti della fine del XIX e l’inizio del XX secolo. Uno di questi era la famiglia Ramirez.

Altri costruttori

Fernando Sor cita diversi costruttori nel suo “Metodo
per la chitarra spagnola
” traduzione in inglese del 1836, pubblicato da
Tecla Editions:
 “Mr. J. Panormo fatto alcune chitarre sotto la mia direzione, così come il signor Schroeder a Pietroburgo ….
Nella bontà del corpo o scatola, le chitarre napoletane in generale lunga superato, a mio parere, quelli di Francia e Germania; ma che non è il
caso al momento, e se volevo uno strumento, vorrei procurarsi da M.
Joseph Martinez di Malaga, o da M. Lacote, un produttore francese, l’unica persona che, oltre il suo talento, ha dimostrato di me che lui possiede la qualità di non essere inflessibile a ragionare … Le chitarre che ho sempre dato il preferenza sono quelli di Alonzo di Madrid, Pages e Benediz di Cadice, Joseph e Manuel Martinez di Malaga, o Rada, successore e studioso di questi ultimi, e quelli di M. Lacote di Parigi. Non dico che gli altri non esistono; ma mai aver provato, non posso decidere su ciò di cui non ho conoscenza“.
Nel 19° secolo, quasi ogni costruttore ha fatto una diversa forma di chitarra, le dimensioni, e lo stile. Torres scelto una combinazione di progetti esistenti per le sue chitarre – in base ai requisiti datogli da Julian Arcas. Tarrega piaceva il suono della sua insegnante di Arcas’ Torres chitarra anche – una, molto più piccolo di chitarra dal suono più dolce rispetto al classico moderno di oggi.

 

L’aumento di popolarità della chitarra sullacontinente americano

La chitarra era conosciuto nel Nuovo Mondo già a partire dal XVI secolo, quando i colonizzatori spagnoli venduti vihuelas agli aztechi indiani. La venuta di artisti spagnoli e portoghesi senza dubbio ha fatto molto per incoraggiare la popolarità di questo strumento e, in Sud America in particolare, le loro attività hanno portato non solo alla promozione della chitarra ma anche al suo radicamento nella musica popolare di molti paesi. Questi sviluppi hanno determinato un crescente numero di chitarristi noti e liutai in Sud America e Nord America.

La crescente popolarità della chitarra ha creato un maggiore domanda di strumenti. Più tardi nel 19° secolo, l’aumento della domanda è stata accolta da utilizzo di macchinari e metodi di fabbrica, oltre a l’artigianato tradizionale.

In una certa misura, gli eventi del diciannovesimo secolo – le variazioni dello strumento, le maggiori opportunità per gli artisti a viaggiare, la più ampia distribuzione dello strumento – possono essere considerati come naturali e parti prevedibili di un processo evolutivo. La vecchia pratica età di costruzione di strumenti interamente a mano è stato sostituito per la prima volta da macchinari in grado di massa di produzione. Molti di questi cambiamenti gli eventi che avrebbero avuto luogo nel ventesimo secolo.

La Twentieth Century

Il nostro secolo è stato e continua ad essere testimone di un aumento senza precedenti nella accettazione della chitarra come strumento di seria
espressione artistica. In nessun altro momento nella storia della chitarra è stato così il benvenuto in fase di concerto.

Ci sono due ragioni fondamentali per l’enorme popolarità della chitarra di oggi. Il primo e più ovvia è radicata in fenomeni che appartengono esclusivamente al ventesimo secolo. Il progresso tecnologico rivoluzionario e lo sviluppo di mezzi di comunicazione di massa e più veloce, modi più efficienti di trasporto sono gli aspetti più importanti. Radio, televisione, l’industria discografica, satelliti per le comunicazioni, del jet di corsa ed altri hanno contribuito a una rapida esposizione globale dello strumento. I musicisti sono ora in grado di concertize in tutto il mondo nel corso di una stagione concertistica. Essi sono in grado di raggiungere un pubblico enorme – non solo quelli effettivamente presenti ad una prestazione, ma coloro che vedono la televisione, ascoltare le trasmissioni e per fonografi registrazioni, e milioni di quelli che utilizzano la rete con i computer. Sempre più persone
sono, dunque, attirati nella cerchia dei partecipanti sia come compositori, esecutori o ascoltatori; maggiori opportunità sono creati per suscitare l’interesse della chitarra.

La seconda ragione, anche se meno drammatica, non è meno significativo. Si tratta di un’estensione, una naturale conseguenza degli sviluppi che hanno avuto luogo nei secoli passati. Va ricordato che alla fine del XIX secolo, tecnica di chitarra era stata portata da Tarrega al punto in cui era veramente belle arti, pronti per il prossimo passo in ciò che conosciamo come la tecnica moderna. I grandi costruttori di chitarre, in particolare Torres, avevano sviluppato uno strumento che, con piccole variazioni, conserva ancora oggi la classica forma della chitarra. Questi eventi cruciali dovevano semplicemente portare alla piena realizzazione del potenziale della chitarra del XX secolo.

Tarrega ebbe molti allievi eccezionali, ma di gran lunga il più importante è stato Miguel Llobet (1878-1937). Llobet tenuto concerti in tutta la Spagna. Egli è apparso a Parigi, Inghilterra, Stati Uniti, Sud America, Berlino, Vienna, insomma, quasi tutte le principali città del mondo occidentale. Llobet è stato riconosciuto un master e un virtuoso suprema della chitarra.

Ha insegnato un numero considerevole di importanti presenti chitarristi giorno. Di questi, Maria Luisa Anido (1907-) e José Rey de la Torre di Cuba.

Il gigante del XX secolo è Andres Segovia (1893-1987) un caro amico di Miguel Llobet. Segovia si sentì in dovere di insegnare a se stesso la chitarra. La tecnica ha poi sviluppato è stato un miglioramento su Tarrega di e uno dei suoi aspetti più importanti di precisione in tutte le questioni in particolare per quanto riguarda alla mano destra. Ogni anno, per più di mezzo secolo, ha tenuto concerti in tutto il mondo e ha alle sue innumerevoli esibizioni radiofoniche e televisive di credito. Ha registrato praticamente tutto il suo repertorio.

Il coinvolgimento di Segovia con la chitarra è andato oltre le prestazioni.

Ha ispirato compositori contemporanei di scrivere per lo strumento. Mario Castelnuovo-Tedesco compose il primo concerto di chitarra del XX secolo (1939).

Anche su istigazione di Segovia, Manuel Ponce del Messico, Joaquim Rodrigo di Spagna e Alexander Tansman della Polonia hanno scritto per la
chitarra.

Segovia ha insegnato direttamente generazioni di chitarristi. Alirio Diaz era eccezionale allievo di Segovia ed è diventato uno del mondo i principali operatori particolarmente successo ad interpretare musica latino americana. Di Segovia connazionale Narciso Yepes (1927-1997) è stato un altro giocatore, con impeccabili tecnica. Ha dato il suo primo concerto pubblico all’età di vent’anni ed è diventato un giocatore di fama internazionale.

I giocatori di statura internazionale sono venuti da altri paesi come Karl Scheit, Konrad Ragossnig.

Gli interessi dei due giocatori inglesi, Julian Bream (1933-) e John Williams (1941-) sono di ampia portata rispetto a quelli di Segovia e dei suoi altri alunni.

Giuliano Bream

Julian Bream imparato ascoltando la radio e guardando gli altri giocatori. La sua formazione formale presso il Royal College of Music era in pianoforte, violoncello e composizione. Primo concerto a Londra di Bream ha avuto luogo presso la Wigmore Hall nel 1951. Da allora ha guidato la vita di un musicista impegnato e di successo, dividendo il suo
tempo tra il suo paese, lo studio di registrazione, e sala da concerto. I suoi gusti musicali sono varie e la sua fama di suonatore di liuto è così grande come la sua reputazione come chitarrista. Il suo repertorio sulla chitarra spazia da Bach Ciaccona di opere contemporanee compositori. Ha fatto una grande quantità verso la promozione della musica contemporanea con la chitarra.

Giovanni Williams

Nato in Australia nel 1941, John Williams ha cominciato imparare la chitarra da suo padre, fondatore del Guitar Center spagnolo a Londra. Nel
1952, fu presentato a Segovia, che lo ha assunto come allievo. Su consiglio di Segovia è entrato l’Accademia Musicale Chigiana di Siena. Tornato in Inghilterra, ha studiato pianoforte e teoria musicale dal 1956 al 1959. Il suo debutto a Londra alla Wigmore Hall ha avuto luogo nel 1958 e non passerà molto tempo prima che il suo nome diventa sinonimo in Inghilterra e all’estero. Oggi, John Williams è uno dei giocatori più abili chitarra classica con una straordinaria tecnica fluente. Il suo repertorio varia da trascrizioni di inizio lute musica ad opere di compositori sudamericani e contemporanei. La sua musica ha preso una sua volta non classica. Egli si è avventurato in Musica Jazz suonare opere di Bach, Scarlatti, Villa-Lobos e Albéniz; e nei campi di chitarra e pop elettrica.

Duo di gioco è stato reso popolare dal team di Alexandre Lagoya e Ida Presti; da allora il numero di duo è cresciuto, e con essa la quantità di musica scritta per loro.

Eliot Fisk

Un nativo di Philadelphia, Eliot Fisk ha guadagnato il suo grado di MMA presso la Yale University, dove ha studiato con il clavicembalista Ralph
Kirkpatrick. Subito dopo la laurea, gli è stato chiesto di fondare il Dipartimento di Chitarra presso la Yale School of Music. Nel 1974 è stato introdotto per il suo idolo, Andres Segovia, che lo ha allenato in privato per diversi anni. Oltre alla sua carriera artistica, Eliot Fisk ha un profondo impegno per l’insegnamento. E ‘docente di chitarra presso il Mozarteum di Salisburgo, in Austria, dove è di classe comprende talentuosi giovani chitarristi provenienti da decine di paesi diversi. Signor Fisk conduce anche numerosi corsi di perfezionamento e residenze in tutto il mondo. UN nato ama il rischio e inquieto, virtuoso widly fantasiosa, Eliot Fisk ha portato una dimensione completamente nuova per le prestazioni chitarra classica. Ha anche creato un grande corpo di musica per chitarra attraverso le commissioni di compositori contemporanei come pure le sue
trascrizioni di opere di Bach, D. Scarlatti, Haydn, Mozart, Mendelssohn, Granados, Albeniz e altri. Un recitalist altamente visibile e solista con orchestre, si esibisce spesso in varie combinazioni cameristiche pure.

David Russell

Nato in Scozia, David Russell si trasferì presto a Minorca, dove si è interessato alla chitarra. Ha studiato alla Royal Academy of Music e ha vinto il Bream Prize Julian chitarra. Ha vinto l’Andrés Segovia Competition, e Francisco Tárrega concorrenza. Nel 2003, è stato dato
la Medaglia d’Onore del Conservatorio delle Baleari. Ha fatto un giro in città come New York, Londra, Tokyo, Los Angeles, Amsterdam

Liona Boyd

Liona boyd è nato a Londra, in Inghilterra, ma si trasferisce in Canada quando aveva 8. Si è laureata presso l’Università di Toronto
in Performance e ha vinto, lo stesso anno, la Nazionale di Musica Canadian Competition. Nel 1972-1974, ha studiato con Alexandre Lagoya. Ha iniziato a New York Carnegie Hall nel 1975 ed eseguito migliaia di concerti in decine di paesi in tutto il mondo. Lei è un cinque volte vincitore del Guitar Player sondaggio Magazine per il miglior chitarrista classico.

Ulteriori sviluppi nella costruzione della chitarra

Le realizzazioni monumentali della scuola spagnola si perpetuano nelle chitarre di Santos, Hernandez e José Ramirez de Calaretta. Un liutaio tedesco di spicco del XX secolo è stato Hermann Hauser, il cui bene gli strumenti sono utilizzati da molti dei chitarristi concerto di oggi.

Le tradizioni del passato nella costruzione della chitarra sono stati rispettati e modificata nell’interesse di strumenti migliori. Tecnologia e
innovazione sono responsabili per l’adozione di corde di nylon per sostituire quelli vecchi fatti di intestino. Questo ha rivoluzionato particolare di suonare la chitarra. Perché le nuove stringhe sono
molto più forte. richiedere una regolazione meno frequenti e produrre un suono migliore, sono più pratici e più desiderabile.

Allo stato attuale, l’internazionalizzazione della chitarra è completa. Lo strumento è taugh in tutto il mondo. Dopo la seconda guerra mondiale, la
chitarra divenne incredibilmente popolare in Giappone e il paese ha prodotto un gran numero di chitarristi, insegnanti e liutai. Quasi ovunque riviste che si occupano della chitarra sono pubblicati e disponibili.
Riviste internazionali sulla chitarra ora esiste e stampa articoli sulle attività di chitarra in tutto il mondo: The Classical Guitar Magazine, pubblicato in Inghilterra, e la chitarra Review, pubblicato a New York, hanno una diffusione in tutto il mondo e sono anche pubblicate su
Internet. Chitarra Società sono cresciuti in tutto il mondo.

Il fiorire di società, associazioni e organizzazioni dedicate a qualche aspetto o di altre attività di chitarra porta ulteriore testimonianza per
l’interesse universale nello strumento. Queste organizzazioni presenti giovani chitarristi in recital, incoraggiano lo studio, si dedicano ad una grande varietà di scopi che hanno a che fare con la propagazione delle questioni pertinenti alla chitarra. Numero di recital di chitarra sono 
moltiplicate come competizioni che si svolgono sul livello nazionale e internazionale.

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